人们在法国巴黎拉维莱特公园观看露天电影

文/《环球》杂志记者 马琼 张海鑫 刘娟娟

编辑/胡艳芬

　　对于人工智能（AI）创造的电影美学，有人为之震撼，奉其为圭臬；而有人则视其为“科技与狠活儿”，对其嗤之以鼻。在未来，AI创造的这种“科技美学”与实景拍摄的传统之美，势必会有不同的拥趸，一些争议也难免随之到来。

　　《环球》杂志：生成式人工智能（AIGC）可以创造出远超现实甚至人类想象的、具有冲击力的视觉效果，人们会在这条道路上不断追寻下去，还是会加速审美疲劳？

　　浩歌：这是一个很有趣的问题，AIGC确实有能力创造出令人惊叹的视觉效果，这可能会吸引人们在这条道路上不断追寻。

　　但是随着时间的推移，人们也可能会对过于频繁出现的高强度视觉冲击产生审美疲劳。就像其他艺术形式一样，过度依赖某种特定的效果或风格可能会导致观众的兴趣逐渐减退。

　　我认为关键在于如何平衡创新和审美疲劳，通过合理运用AIGC技术，结合故事情节和情感表达，创造出既有视觉冲击力又能引起观众共鸣的作品。多样化的创作风格和主题也可以帮助避免人们出现审美疲劳。

　　另外，观众的审美和兴趣也是不断变化的，艺术创作需要不断进化和适应这种变化。也许在某一时期，人们会对某种视觉效果感到厌倦，但随后又会出现新的创作趋势和风格，重新激发他们的兴趣。

　　姚金利：AI创造的视觉效果以什么形式来传播，才是最应该考虑的问题。如果AI创造的影像仍然是在电影院、电视、平板电脑、手机这些媒介上播放，那它所带来的视觉冲击力就和由摄影机、CG（一种利用计算机进行视觉设计和生产的技术）、动画制作的产品没有本质区别。但如果AI能够与更先进的传播方式（比如裸眼3D，包括AR（增强现实）在内的XR（扩展现实）技术，甚至脑机接口或者其他更厉害的影像传播媒介）相结合，那绝对可以在影像创造方面产生颠覆性的作用。

　　黄旭峰：我非常确定，它会诞生一种全新的数码时代的美术风格。但这种美术风格未来会被定义成什么样子，我也不太清楚。我无法判断这种数码美术风格，因为要看它具体生成的作品市场反响如何，目前除了《终结者2：审判日》，还没有其他产品拿到市场上检验。而只有当更多的作品在市场上投放，人们的看法、观点才会逐渐产生和显现出来。

　　我只能说它会带来一些所谓新的风潮，但不确定这些风潮能持续多久，因为这还要等这种基础大模型大工具真正普及，被全民或者全行业使用，将商业化的产品投放到市场，我们才能去判断它从行业端、技术端、审美端、认知端到底改变了什么，以及哪些方面没有改变。无论是大模型的建立、升级，还是人们更加熟练地运用这种工具创造产品，都需要一定的时间。

　　《环球》杂志：对电影人而言，会更重视对技术的运用，还是倾向于返璞归真，追寻真实拍摄的场景和人物？

　　浩歌：这是一个很有探讨价值的问题。对于电影人来说，他们在技术运用和追求真实之间可能会有不同的侧重，这取决于他们的个人风格、创作意图以及目标受众的需求。

　　重视对技术运用的电影人，可以利用最新的科技手段来创造令人惊叹的视觉效果和虚拟场景。技术可以提供更大的创意空间和更多元的表达方式，使电影更加引人入胜。

　　而倾向于返璞归真的电影人，可能会更加追求真实拍摄的场景和人物。他们可能认为真实的情感和人物表现更能打动观众，与此同时，通过真实的拍摄手法可以传达出更加质朴的情感和真实故事。

　　但很多时候电影人可能会选择在两者之间找一个平衡，选择将技术和真实场景相结合，以达到最佳的艺术效果。例如，在需要特效和奇幻元素的场景中运用技术，而在强调情感和人物关系的情节中更注重真实再现。重要的是电影人要根据故事的需要和自己的艺术理念来作出选择。无论是更重视技术还是更追求真实，都有可能创造出优秀的电影作品。

　　姚金利：摄像机从一开始就是一个工业技术发明。技术和艺术从不冲突，尤其是影视艺术，技术的不断更迭催动着艺术美学的变化。

　　在CG特效盛行的今天，确实有诺兰这样的大导演仍然执着于实景拍摄，但他在今年第一次获得奥斯卡奖的影片《奥本海默》中仍然运用了200个特效镜头，而且实际上很多人并不知道，这其实是“以真实拍摄为理念”的诺兰运用特效镜头最少的一部，他之前的《星际穿越》和《蝙蝠侠：黑暗骑士》都用了700多个特效镜头。这些特效镜头的质量也足够表现真实感。所以对于影视从业者而言，技术永远只是手段，无论是特效镜头还是实景拍摄抑或是AI软件，都只是他们营造视听语言的手段。